中国画是把客观意象先储存在脑子里，然后再表现事物的实质，并在形象上也有所改变，做到“形神兼备”。对客观事物，中国画则是在表现共性的过程中找出特点，加以夸张。但是用什么方法来表现呢？这就需要从中国哲学的各种思想中汲取营养，对原始客观事物加以改变，取其主，舍其次。中国画还有一个特点——白纸本身就是画，你看我画的墨竹，之所以看到这个黑的叶是因为它外边的空白，而这空白本身也是画，空白留得好就是美，所以有“计白当黑”之说。中国画的空白也就是空间，空间又与时间分不开，而二者又是对立统一的。

中国画还有更重要的方面，就是画家的精神作用，画画是画家的情感在起作用。同样的题材，在这个时间画和那个时间画，就不一样。这是因为内在外在的条件不同了，其中也包括灵感问题，但灵感不是虚无的，而是人格和感情。无数储存于画家头脑中的意象受感情的触发，所画出来的既是物的形象，又是画家本身生命的体现。画家本身的作用是十分重要的，这首先是画家本身的修养、知识，各方面的阅历以及对几千年文化的认识。而这一切都在不知不觉中融合入画作之中。

中国绘画实际上是对客观世界意象的认识，但表现方法有不同。这种表现要通过画家对于意象的认识来完成，有些要抽象，有些要增删剪裁，大概中国绘画是比较抽象的一方面多。抽象外在的形式，表现内在的东西；利用形式表现内容，既表现事物的共性，又加强事物的特性。如果没有共性，人就不认识它；如果没有特性，也就谈不上艺术。简化说这就是“神形”的问题。神就是神韵，是事物特性中最突出的东西，是事物的本质。

中国画从唐代以后，逐渐在创作题材上形成分工的趋势。有的人专攻画山水，有的人专攻画人物，有的人专攻画花鸟虫鱼，以及其他等等。为什么会形成这样的趋势？原因很复杂，但最重要的一点是为了对生活有深入体验，对客观事物有足够的熟悉、观察和理解。因为一个人的生活实践很难把各种事物都体验深透。如：荆浩、关仝画山水，居住太行山几十年；边鸾长于花鸟，则于居室四周遍植花木；易元吉画猴，也常入深山老林以心传目击。画家必须有丰富的生活才会有无穷无尽的变化。

艺术是客观世界的反映。离开客观现实，什么造型也不会有。一个缺乏视力的人，就看不到什么形象，当然也不会有什么绘画创作。从美学观点讲，艺术是先有意象，而后才有创作。意象在美术上是指客观上的一切事物形象及其活动。比如：一个人看见实体，这是象；这个实体的活动就是意。这种意象引入到作者脑海中就像电脑储存那样被储存起来，这是个永久储存，但什么时候蹦出来，不一定。意象对于画家是第一义的，然后又通过画家的审美活动对意象进行选择，哪些意象符合于美，哪些意象不符合于美。主观对客观的认识因人而异，你认为美的，别人也可能认为不美。认识之后，能不能把它表达出来又是另一回事。