作者：许克巍
中国传统的乐器和演奏形式，是世界上最丰富多样的，这和中华文化悠久的历史、广大的幅员，有密不可分的关系。如果仅从打击乐器来看，中国传统的打击乐器就有数百种，譬如鼓来说，有大鼓、小鼓、堂鼓、板鼓、排鼓、手鼓、铃鼓、太平鼓等，而单单山西的“绛州鼓乐”就将鼓分为数十种，而这仅仅是鼓的分类而已，依此类推，还有其他的打击乐器，如金属的锣、钹、钟、铃，石类的罄，木类的木鱼、梆子、板等。如果从我们日常生活认识的乐器和演奏形式来看中国的乐器和音乐，我们一定会惊讶的发觉，怎么会这么多样，这么丰富。这主要是因为我们平常大部分接触的都是西方音乐，因此对于音乐的认知就以西方音乐为标准，譬如乐器的独奏，一般人都知道有钢琴、小提琴、大提琴、长笛的独奏等，还有二重奏、三重奏、四重奏，有小型室内乐，有大型管弦乐和交响乐，说到音乐家，巴哈、莫扎特、贝多芬，几乎人人都知道，因此，对于西方音乐的认识和欣赏，我们几乎没什么障碍，因为平常电视、电台、CD到处听的到，买得到，反而是传统中国的音乐，变的比较陌生，甚至不知道如何入门，不过这的确存在这样的问题，因为中国音乐包含的形式和种类实在太多样了。
中国乐器可以分为吹拉弹打四大类，每一类都有个别独奏的形式，譬如吹管乐器的笛子、唢吶、笙，拉弦乐器的二胡、高胡、中胡，弹拨乐器的琵琶、扬琴、古筝、柳琴、阮等，每一种乐器都可以以独奏的方式表演，除了这些国乐团常见的乐器，还有其他地方性的乐器，譬如板胡、京胡、管、葫芦丝、巴乌、马头琴等，也经常以独奏的形式出现；此外古琴，虽然不常见于一般乐队中，却是传统中国最重要的乐器之一。上述乐器除了以独奏形式出现，我们平常看到的，就是以大合奏为主，除此外，也有以重奏和小合奏的方式演奏，而这正是传统中国音乐极具特色的部分，这样的特色主要表现在地方风格，例如广东小曲，是以高胡(粤胡)为主的小合奏；江南丝竹，是以琵琶、二胡、扬琴、笛子四件乐器为主的小合奏，还有小型的锣鼓乐、大型的吹打乐等，在不同的地方都有不同的表演形式。
因此我们发现，要认识及欣赏传统的中国音乐，真的必须具备一些基本的认识，譬如要对历史有概念，这样欣赏古琴和琵琶的古曲，就知道他们说的是什么，琵琶最着名的武曲是“十面埋伏”，讲的是刘邦项羽争天下的战争故事；“塞上曲”讲的是昭君出塞的故事；古琴“胡笳十八拍”，讲的是蔡文姬归汉的故事；“潇湘水云”是南宋郭楚望面对浩瀚江水兴起国破山河在的感慨。除了对历史要有概念，对不同地区的民俗文化也要有一定认识，如云南是歌舞海洋，这里的民族喜欢唱歌跳舞，常用的乐器有葫芦丝、巴乌；蒙古是草原，这里的人喜欢拉开喉咙用假嗓子唱歌，乐器有马头琴、笛子；另外看到乐器，就可以大致分别是属于哪里，譬如京胡、板胡、梆笛属于北方，粤胡、曲笛、二胡(或称南胡)偏南方；此外还有一些地方有专门的演奏形式，如广东音乐、江南丝竹、西安古乐，绛州鼓乐，河南打溜子，潮州锣鼓等。

为了让一般人方便进入中国音乐的世界，笔者特别建立欣赏中国音乐的三个座标，让大家在欣赏中国音乐时有一个清楚的依据，以下分别来介绍：

第一个座标：时间

时间的座标主要是在“古曲”和“近代曲”之间做一个分野。在传统国乐曲中，常会听到一些不知作者为何许人的“古曲”，譬如像“月儿高”“春江花月夜”“十面埋伏”等，这些被标为“古曲”的乐曲，和目前我们一般较熟悉的近代创作曲，不论是旋律的语法、曲式的结构和感情的表达方式，都有很大的不同。近代中国的乐曲受到西方主题音乐很大的影响，而所谓的“主题音乐”通常是句数完整、讲求对仗、由较多音符构成的一段优美旋律。这个旋律中音符和音符的空间较小，而且关系密切，不能分割，少掉了一、二个音就会对主旋律的结构造成很大的影响；反之，中国的“古曲”的旋律就自由多了。

一般古曲的“主旋律”很少由成串不可分割的音符构成，它的主要旋律很可能是由一个小节、二个小节片片段段的小句子所组合，每一个小句子中的音符的空间也是极大（音符和音符中间的距离是要表现一种空间感，而不是表现旋律圆滑的桥梁）。所以古曲旋律的圆滑度、优美度虽然不如近代曲，但是因为句子的组成可以自由拆卸，音符也可以增减，整体听来非一成不变的固定旋律，反而有一种处处生机的扩充感。尽管古曲的曲调听起来较生涩，但只要调整原有的欣赏角度，反而会因古曲中“单音”的突出与重要，而感受到每个个别音符的丰满与无限。

再从曲式结构来看，近代国乐曲大量模仿了西方三段体及奏鸣曲的型式，几乎都是快－慢－快，乐章和乐段截然分明的曲式。习惯了这种 〝清晰〞结构的乐友，一下子要接受找不到头、找不到尾、段落划分不清楚的古曲，一定无法马上适应。传统古曲通常是由一段段类似“曲牌”的旋律，有机组合在一起；也可能是由一个主题经过不同的变奏联结在一起；或是一个旋律拆开头尾，中段夹入其他“曲牌”或旋律而成。而形成一首完整乐曲的最大前提，就是是否符合了“起承转合”的完整结构，这个结构是否表达了一个完整的情绪，假设一首乐曲符合了前述条件，则有没有快慢板就不是重要的考量。像二胡传统曲《二泉映月》，整首乐曲都在中慢板的速度中进行，可是从没有人认为这是一首不好的乐曲，也从没有人认为它表达的不够完整。

古曲音符简洁，情感的表达较朴拙

古曲犹如一篇“文言文”，音符简洁却涵义深远，情感的表达较朴拙，而与近代曲鲜明的风格、亮丽的情绪，形成一种很强烈的对比。近代曲经常一听就知道诉说的是什么，而古曲往往要经过一段时间的浸淫，才捉得住一丝情感，所以一般人比较易于接受近代乐曲带来的立即满足，而懒得花时间在情感上有较多隔阂的古曲上。

流传至今的传统古曲，都是经过一代又一代的音乐家、演奏家，在实践过程中将自己的心得和见解，点滴加上去而逐渐形成的，不比近代乐曲大多只由一个人创作，只代表个人的见解。一首古曲可以说是由一个共同的意识所完成的，正如儒家、道家、佛家思想之于中国，古曲中隐藏的内涵，也传达出一群人由生活经验中凝炼而成的思想。当我们能从时间的分野上分出“古曲”与“现代曲”的差异，再以不同的角度来欣赏，将更有助于我们进入各个时空不同的情境中。
第二个座标：空间

中国地域广大，山川水土各有殊胜，在不同的地理环境中孕育出不同的人文风俗，自然，语言、生活习惯、民情好恶的差异就全部反映在音乐上。江南风景秀丽、物产丰富、多山多水，人民讲话较温婉平顺，音乐便也表现出这样的特质。像“江南丝竹”的小、轻、细、雅，旋律多级进进行，情绪较放松，音色也柔和饱满，充分显现出一片和乐安详的水乡泽国气氛。而往西南走进云贵地区，因为多山，旋律线的起伏就比较大，加之林木茂密，湿气较重，曲调便倾向小调的风格，又西南少数民族极度喜爱唱歌跳舞，所以节奏变化多，也极富跳跃性。

中国音乐富含地方特色 反映不同的人文景观

中国北方气候干燥，多大山却少林木，高原常黄土漫漫，人民生活多困苦，所以音乐高亢激昂、情感粗犷、音符多跳进，曲调也较强烈有个性，像吹打乐、唢吶、梆笛等，都是很典型的北方音乐和乐器。而到了蒙古的大草原，在一望无际、大地合一的开阔环境中，嘹亮、苍茫、孤寂的情绪就成为蒙古地区音乐的特质，宽广的人声混着假声以及嘶哑的马头琴，也就是陪伴蒙古人民走过这片草原聊以自慰的工具。

多彩多姿的地方音乐是中国音乐最大的特色，也是中国音乐最大的宝藏，在欣赏中国音乐时，除了先以时间为经区隔外，接下来以空间为纬来认识不同地区、不同民族音乐的特殊风格，就成了第二个重要参考座标。习惯现今西方交响乐团，钢琴与小提琴单一、纯净、和谐音色的朋友，对于“五味杂陈”的中国音乐是比较难以理解和接受的，但假若跳脱既有的欣赏观念，去听听这些由生活中孕育出来的声音，去体会他们的人及背景，去感受他们根植大地的生命力，或许，对于中国音乐的本质和中国音乐的辽阔将会有更深的认识。

第三个座标：乐器本身

中国每一件乐器都有一样的特性，乐器语法、旋律线条、演奏方式都各有一套完整体系的美学观，假若以同一标准来看待不同的乐器，都将失之偏隅而难窥器乐曲的全貌。在众多国乐器中，古琴与琵琶是最早发展为一个完整的独奏乐器，二胡系的弓弦乐器和笛子等吹管乐器，则多脱自地方戏曲的伴奏，于近代才逐渐成为一件独奏乐器。所以二胡和笛子的乐曲带有浓郁的地方色彩，旋律性较强，而古琴、琵琶多为古曲，旋律性较弱。

中国独奏乐器的演奏手法表现中国音乐审美观

古琴和琵琶都是用左右手直接与弦接触，用拨弹的方式发声，不过由于古琴没有品柱，单音的自由度更大，常使用“绰”、“注”的滑弦指法填满音与音之间的空隙，产生虚实相映的对比。又古琴和琵琶皆不擅长旋律性的表现（此为中国弹拨乐器的共通特性），但弦的软硬适中，适合左手吟揉推拉，音的幅度可随演奏者的心境自由控制，产生不同的韵味。反而由此发展出中国独奏乐器演奏手法的最大特色，也由此产生一套和西方音乐不一样的审美观。

二胡和笛子的演奏感觉和西方的小提琴及长笛较类似，但二胡是蒙蟒皮，没有指板；笛子以竹膜共振，没有机械按键，在音色上与西方不同，演奏手法上人为的因素也更多。笛子在南方昆曲系统发展出来的曲笛，音色较淳厚，讲究气韵、深远；在北方梆子系统发展出的梆笛，音色嘹亮、高亢，并在管乐兴盛的北方，创造出许多气息与按指配合的吹奏方式。二胡是中国乐器中最易抒发情感的乐器，近年来已有不少作曲家为其创作了许多好听的乐曲。

在不同的乐器演奏基础下去聆听各自的语法与特色，才能充分掌握器乐曲中的曲趣和意味，同是也会发现中国共通的审美观，在不同的乐器上发展出异曲同 工的影响。